La mitad del trabajo de un director de video es poner en escena la acción para la pantalla. Si cree que no es gran cosa lograrlo, está listo para unirse a la lista de grandes directores de escena de Broadway que fracasaron miserablemente en Hollywood. Dirigir para la pantalla significa configurar la cámara en el lugar correcto con la lente correcta apuntando en la dirección correcta en el momento correcto y luego mover sujetos frente a ella. Dos condiciones ineludibles complican este proceso básico.
Primero, cada toma es solo un pequeño fragmento del proyecto que debe coincidir con las tomas anteriores y siguientes en algunos aspectos, pero contrastar con ellas en otros aspectos. Además, debido a que la pantalla es esencialmente plana, toda la profundidad aparente sobre ella es una ilusión creada minuciosamente por el director y el videógrafo.
Videomaker ha examinado los muchos trabajos del director, hemos cubierto la continuidad y la dirección de la pantalla, así como los ángulos de la cámara. . (También hemos examinado la otra mitad del oficio de un director, trabajar con talento). Esta vez, nos centraremos en los detalles de la acción escénica para el mundo plano de la pantalla de video. Veremos cuatro herramientas principales de dirección:punto de vista, composición, perspectiva y movimiento.
Punto de vista y composición
El punto de vista, o POV, es el punto de vista desde el cual una videocámara graba una acción. El primer componente de POV es el tamaño del sujeto, o la distancia aparente de la cámara:plano general extremo, primer plano extremo o cualquier cosa intermedia. El tamaño del sujeto es una herramienta clave para enfatizar, como verá.
El punto de vista también incluye el ángulo horizontal, desde la toma frontal hasta el perfil (toma lateral) y todo el recorrido hasta la parte posterior. En los primeros planos, un ángulo frontal es más abierto, una vista de tres cuartos tiene más profundidad y un perfil confiere una cualidad formal e icónica (observa el uso que hace Clint Eastwood de los primeros planos de perfil).
El ángulo vertical es igualmente importante. Un ángulo bajo (desde abajo) tiende a empoderar a su sujeto, mientras que un ángulo alto hace justo lo contrario. Un ángulo aún más alto (ojo de pájaro) da una sensación de desapego distante.
Con respecto al tamaño de la imagen, dijimos distancia aparente porque el tamaño está determinado tanto por la distancia focal de la lente como por la distancia entre la cámara y el sujeto. Debido a que los lentes gran angular exageran la perspectiva y el movimiento, mientras que los teleobjetivos los suprimen, la elección del lente tiene un gran efecto en la profundidad, el énfasis, la energía y el estado de ánimo.
Una vez que haya establecido un punto de vista, organice los elementos dentro de su toma a través el arte de la composición. Aquí, estamos principalmente interesados en la composición, ya que se aplica a la acción que ocurre dentro del marco. Con esto en mente, recuerde que existen dos enfoques opuestos para la composición, bidimensional y tridimensional.
La composición bidimensional organiza los elementos pictóricos en el plano de la imagen plana, a menudo utilizando configuraciones de teleobjetivo para suprimir la profundidad aparente y enfatizar la superficie de la pantalla. El resultado es un aspecto diseñado bastante distante que puede mejorar los estados de ánimo formales.
La composición tridimensional utiliza lentes de gran angular para mejorar la profundidad aparente, cambiando la pantalla de una superficie a una ventana invisible que mira hacia un mundo más allá. Este enfoque atrae a los espectadores al mundo de la pantalla y ayuda a involucrarlos en la acción.
Además de los lentes gran angular, la composición 3D depende de seis técnicas antiguas que los pintores han llamado perspectiva durante mucho tiempo.
Perspectiva
Las seis técnicas de perspectiva son:tamaño (cuanto más grande, más cerca); superposición (un sujeto al frente debe estar más cerca que el sujeto que cubre parcialmente); convergencia (líneas paralelas parecen encontrarse en la distancia); posición (cuanto más alto está en la pantalla, más lejos está); resolución (cuanto más visible es el detalle, más cerca está) y color (cuanto más descolorido, más lejano). La acción escénica implica principalmente tamaño, convergencia y superposición (aunque David Lean usa la resolución de manera brillante en Lawrence de Arabia, cuando Omar Sharif comienza como un punto vacilante en el horizonte del desierto, luego se convierte lentamente en un hombre a caballo cuando se acerca a la cámara).
El tamaño es obviamente importante en la puesta en escena de la acción porque cuanto más grande es el tema, más importante visualmente se vuelve. Los directores novatos, sin embargo, a menudo se superponen levemente. Tenga en cuenta la frecuencia con la que los profesionales utilizan dos tomas por encima del hombro, en las que el sujeto que habla se superpone parcialmente con la cabeza y el hombro de la persona que escucha. Además de mejorar la profundidad, las tomas OTS, como a veces se les llama, mantienen a ambos sujetos en la mente del espectador mientras dirigen la atención al que es más importante.
Las líneas convergentes (diagonales) sugieren un movimiento hacia y desde el cámara y enfatiza la profundidad aparente. Psicológicamente, las líneas diagonales se sienten más enérgicas porque parece que caen sobre la superficie de la imagen, mientras que las líneas verticales y horizontales están de pie o descansando. A medida que realiza el movimiento para la cámara, el movimiento diagonal se siente dinámico. Y, por supuesto, acercar a los sujetos a la cámara aumenta su tamaño e importancia aparentes.
Movimiento
Los sujetos no son las únicas partes móviles de una toma. Por lo general, la cámara también se mueve, ya sea dramáticamente en una toma rodante o sutilmente cuando el videógrafo corrige la composición para que coincida con los movimientos de los sujetos pequeños.
Al escenificar los movimientos de la cámara, algunos consejos pueden resultar útiles. Primero, asegúrese de que el movimiento esté motivado por el movimiento del sujeto o por la necesidad de mirar a un sujeto diferente sin pasar a una nueva toma.
A continuación, asegúrese de que el movimiento comience con una composición fuerte y termine de manera decisiva con otra. , incluso más fuerte, si es práctico. Sin darse cuenta conscientemente, la audiencia sentirá una sensación de orden y corrección sobre el movimiento. La técnica clásica de Hollywood exige una apertura estática antes de que comience el movimiento; pero la práctica moderna a menudo comienza una toma con la cámara ya en movimiento. Si desea que sus movimientos se sientan muy suaves, condúzcalos como un automóvil, acelerando suavemente hasta la velocidad de crucero y luego disminuyendo la velocidad suavemente hasta detenerse.
Finalmente, evite el movimiento por sí mismo. La foto rodante de 360 grados alrededor de los amantes abrazados se ha convertido desde hace mucho tiempo en un cliché y en una demostración de técnica. Por otro lado, las tomas de Steadicam utilizadas tan a menudo en la serie de televisión The West Wing transportan al espectador con los personajes a menudo acosados mientras recorren los concurridos pasillos de la Casa Blanca.
Para otro conjunto de movimientos que vale la pena estudiar, observe cómo la cámara itinerante en Shakespeare in Love lo sumerge directamente en las bulliciosas calles y callejones del Londres isabelino.
Escenificación y Estilo
La puesta en escena para la pantalla es la fuente principal del estilo de dirección. Algunos directores convierten la cámara de video en un personaje, moviéndose constantemente alrededor ya través de la acción. Otros permiten que la lente se asiente en silencio y registre el movimiento que fluye y refluye a través del encuadre.
Algunas situaciones (como peleas o persecuciones) exigen una apariencia intensamente 3D, llena de puntos de vista bajos, lentes gran angular y movimiento dinámico hacia y lejos de la cámara. Otros necesitan la serenidad y el desapego de la puesta en escena en 2D, en la que los teleobjetivos y una videocámara estacionaria pintan composiciones en evolución en la superficie de la pantalla.
Pero tanto si el artista es Picasso como si es Dalí, se utilizan exactamente las mismas herramientas de pintura. Y ya sea que sea tan dinámico como Martin Scorcese o tan deliberado como Ingmar Bergman, logrará su estilo personal a través del manejo de sus herramientas de dirección:punto de vista, composición, perspectiva y movimiento.