Cada vez que apunta su cámara, toma decisiones:qué parte de la escena incluir; usar una toma fija o un movimiento que involucre una panorámica, un revoloteo, un seguimiento o un zoom; ángulo y posición; longitud.
Estas son las mismas decisiones que ocupan la mente y el tiempo de cineastas como Francis Coppola, Martin Scorsese y Akira Kurosawa. Las elecciones de composición, más que cualquier otra cosa, determinan cómo será tu película.
Al principio
Cada vez que se introduce una nueva configuración, debe proporcionar al espectador un plano general que absorbe lo más posible. Este primer vistazo se denomina plano de establecimiento.
La mayoría de las películas y los programas de televisión establecen rápidamente el escenario, el personaje y la trama. Casablanca comienza con una serie de escenas narradas portentosamente que sitúan a la ciudad geográfica, política y espiritualmente. La secuencia va de lo general a lo específico, comenzando con una toma de un globo terráqueo girando y terminando con un primer plano del dueño expatriado de un café, Rick.
Cada episodio del video noir serie de televisión Hill Street Blues comenzó con una sesión informativa del recinto matutino que preparó la hora por venir. Los créditos introductorios concluyeron con una clásica y sencilla toma de establecimiento del edificio de ladrillos en ruinas de Hill Street Station.
En Toque del mal Orson Welles comienza con un brillante travelling de seis minutos que husmea en un pueblo que se extiende a lo largo de la frontera entre Estados Unidos y México, siguiendo tanto a los personajes principales como al automóvil lleno de explosivos sobre el que girará la trama. El plano, la escena y la secuencia concluyen con una repentina y feroz destrucción.
Los productores de video que abren con una toma inicial brindan a la audiencia un contexto para la acción que verán. Muestre todo el entorno, aunque solo sea una habitación o parte de una habitación.
Por supuesto, como ocurre con todas las convenciones, a veces es interesante jugar contra esta. En terciopelo azul David Lynch comienza con rarezas como escarabajos que se agitan bajo la tierra, perros que roen el agua y una oreja cortada.
A veces vale la pena desorientar temporalmente o incluso engañar al espectador. Comience con una toma de un anillo de bodas de oro en la mano de un hombre, luego retroceda para revelar a un soldado muerto tirado en una trinchera fangosa.
Obtener primer plano
Después de establecer la escena, la mayoría de los cineastas pasan a planos medios y primeros planos . La progresión tradicional es larga a media para cerrar. Los planos más frecuentes de seres humanos son planos medios, enmarcados a la altura del pecho.
No hay reglas absolutas. Los grandes directores eligen sus planos por instinto estético. Deberías aprender a hacer lo mismo.
Los cineastas principiantes a menudo son como los primeros cineastas:tienden a encender la cámara y dejarla funcionando. Fue el director pionero D.W Griffith quien finalmente desafió esta convención, llenando películas como Birth of a Nation y intolerancia con primeros planos que deleitaron a las primeras audiencias cinematográficas.
Los maestros cineastas Orson Welles y Akira Kurosawa van un paso más allá y utilizan primeros planos extremos incluso en tomas de acción. Vea la batalla culminante en Chimes At Midnight de Welles y la secuencia "Blizzard" en Dreams de Kurosawa.
Para un primer plano extremo, rellene el marco con la cara, cortando la parte superior de la cabeza y los hombros. Nuevamente, tus ojos estarán a un tercio del camino desde la parte superior de la pantalla.
Los primeros planos y primeros planos extremos también pueden ser fascinantes cuando se exponen sujetos humanos. Martin Scorsese suele utilizar primeros planos extremos de objetos como zapatos aplastando colillas de cigarrillos humeantes (Life Lessons) , bolas de billar y tacos (The Color of Money) , humo y sangre (Raging Bull).
Regla tres
La regla de los tercios es una regla clásica de composición utilizada por pintores, fotógrafos y otros artistas visuales. Establece que el centro de interés debe estar a un tercio del camino hacia el encuadre.
Gráficamente, el marco de la imagen se divide horizontal y verticalmente en tercios. El sujeto principal debe ubicarse donde se cruzan dos de las líneas, o a un tercio del camino desde el borde del marco.
Si la persona está mirando a la cámara, la cabeza del sujeto debe estar centrada o ligeramente descentrada. Si el sujeto mira a otra persona, lugar o cosa, indique el objeto de la mirada dejando más espacio en la dirección en la que mira el sujeto. El término para este espacio es sala de conversación, espacio de conversación, o mira el espacio.
Cuando encuadre a dos personas, colóquelas en diagonal. Esto los coloca más juntos en el marco y crea una composición equilibrada.
En una foto de grupo, no coloque a las personas en una fila como si fuera a tomar una foto fija antigua. Muévalos todos al marco, pero agrúpelos de forma natural. Una alineación desvía la vista del marco, mientras que una agrupación más natural mantiene la vista deambulando por la imagen.
Contraste equilibrado
Un productor de video en busca de una buena composición se esforzará por lograr una toma despejada. Un pájaro volando sobre un fondo de cielo azul es hermoso y simple.
Con más de una persona u objeto en el encuadre, el productor debe buscar el equilibrio. Un objeto principal se ve mejor equilibrado por un objeto más pequeño a un lado. El tamaño, el contraste y el color siempre deben estar equilibrados.
Una técnica de composición interesante es el encuadre interior, componiendo una toma de manera que el centro de interés esté enmarcado por algo dentro de la escena:ramas de árboles, barandas de cercas, un arco, un espejo.
Mientras la cantante sube al escenario en Diva, hay un corte en un primer plano extremo de las gafas de sol de un hombre que refleja una vista completa de ella caminando hacia el centro del escenario. Tal disparo es poderoso e inteligente, pero notable. Este tipo de trucos perderán su impacto si se usan en exceso.
El maestro del encuadre interior más sutil es Orson Welles. A principios de Ciudadano Kane Se ve al joven Charles Foster Kane a través de una ventana retozando con su trineo en la nieve, mientras dentro de la casa y adelante en el marco su madre, padrastro y banquero determinan su futuro.
Líneas iniciales es otra técnica compositiva que guía la mirada del espectador hacia el centro de interés. Al fotografiar un edificio histórico con un camino pavimentado que serpentea hacia él, dispare desde un lado para que el camino forme un ángulo a través del encuadre hacia el edificio. Una carretera es una línea principal obvia, pero busque otras que pueda organizar para que parezcan apuntar al sujeto.
Aprende a notar todo en el marco. Suponga que está filmando una entrevista con el sujeto muy bien equilibrado en el marco. Desafortunadamente, pasas por alto la planta en el fondo que parece estar saliendo de la cabeza del entrevistado y la línea en la pared que parece entrar por un oído y salir por el otro.
Para evitar composiciones tan incómodas e innecesarias, tenga el mismo cuidado que tendría al configurar una fotografía fija. Elimine los objetos que distraen. Reorganizar el conjunto. Pon tu propio telón de fondo.
Esté atento al contraste extremo. Una persona vestida completamente de negro sentada frente a una pared blanca puede parecer demasiado oscura. Generalmente, los sujetos deben usar tonos medios y sólidos sin rayas ni patrones pequeños. El azul es un buen color de video. Sea consciente de los contrastes entre los tonos de piel, la ropa y el fondo.
Arriba, Abajo, De lado
Se obtienen efectos interesantes disparando desde ángulos altos o bajos.
Si desea enfatizar el tamaño y la importancia de un sujeto, dispare desde un ángulo bajo. En el guerrero de la carretera El director George Miller pretendía que el sobreviviente duro e ingenioso de las batallas postapocalípticas por combustible fuera un héroe mítico. Por lo tanto, Miller filmó a Mad Max en ángulos bajos.
Las tomas de ángulo bajo les dan a los espectadores la sensación de que están viendo personas y eventos más grandes que la vida. Un ángulo muy bajo le da más poder a una persona u objeto. El halcón maltés de John Huston tiene una memorable toma en ángulo bajo de la montañosa Sydney Greenstreet mientras bromea con el detective Sam Spade sobre la mítica reliquia desaparecida.
Matewan de John Sayles incluye una escena en la que un organizador sindical finalmente gana a los mineros descontentos a su lado. Sayles eligió deliberadamente no disparar desde un ángulo bajo; hacerlo habría pintado al sindicalista como un héroe, mientras que Sayles deseaba retratarlo simplemente como uno más de un grupo.
Un plano de ángulo alto transmite insignificancia e impotencia. En Todos los Presidentes Hombres la cámara se mueve a un ángulo extremadamente alto desde el techo de la Biblioteca del Congreso, mostrando a dos reporteros hoscamente hojeando montones de comprobantes de pago y transmitiendo el hastío y el tedio de sus aparentemente insignificantes esfuerzos para derrocar a una administración repleta de criminales.
Una toma de grúa desde un ángulo muy alto puede revelar la gran magnitud de una escena. En Lo que el viento se llevó La toma de grúa de Victor Fleming retrocede para mostrar a Scarlett O'Hara tropezando entre filas y filas de soldados confederados heridos y moribundos que yacían en una estación de tren destrozada.
Por supuesto, disparar desde el nivel de los ojos más estándar también está bien. La creencia de Howard Hawks de que desarrollar la historia era el trabajo más importante del director lo llevó a colocar con frecuencia la cámara directamente a la altura de los ojos; de esta forma, el espectador podía considerar la película como un espectador. Su chica viernes de Hawks es una película rodada casi exclusivamente a la altura de los ojos.
No te limites solo a los ángulos verticales. En las tomas iniciales de Bagdad Cafe, una pareja de turistas alemanes que se han detenido en el desierto de Mojave para hacer sus necesidades deciden ir por caminos separados. La escena está filmada con la cámara inclinada en los ángulos derecho e izquierdo, lo que ilustra la falta de armonía entre el hombre y la esposa.
En Al este del Edén Martin Pitt de repente inclina y balancea rítmicamente la cámara para reflejar el deseo malévolo y enojado de Caleb por la destrucción de su hermano y su padre. Spike Lee también usa la cámara inclinada en Haz lo correcto , una película sobre el conflicto étnico en Nueva York.
Largo y rápido
La duración del disparo depende de qué tipo sea. Un corte fijo podría durar tres segundos, un pan 10 segundos, una toma de acción mucho más. La toma promedio de película y televisión es de 10 segundos.
Hay dos estilos básicos de edición, misc-en-scene y montaje. Ambos son términos franceses. Mise-en-scene significa dirigir la acción en un escenario; montaje se traduce como edición. En inglés podríamos definir estos términos como the long take y the cut.
En la toma larga, la cámara permanece inmóvil y deja que la acción ocurra dentro del marco. Dado que una serie de acciones ocurre en un solo cuadro, debe haber suficiente profundidad de campo para mantener todo enfocado. Ciudadano Kane, Considerado por algunos críticos como la máxima expresión de la técnica cinematográfica, presenta escenas completas cubiertas en una sola toma.
El estilo de montaje, que incluye muchos cortes rápidos, fue desarrollado y perfeccionado por el director ruso Sergei Eisenstein en películas como Diez días que estremecieron al mundo. y Potemkin.
Las películas de Alfred Hitchcock suelen incluir un uso creativo del montaje. La infame escena de la ducha en Pycho cuenta con 78 cortes en 45 segundos. Ventana trasera incluye una secuencia tensa en la que el fisgón en silla de ruedas Jimmy Stewart observa a Grace Kelly saquear el apartamento del presunto asesino Raymond Burr mientras el propio Burr se acerca a su casa. Esta secuencia tiene una duración de cuatro minutos y consta de 61 cortes.
En buenas secuencias de montaje, la yuxtaposición de planos crea en el espectador el efecto que busca el director:terror en Psicosis, suspenso en La ventana trasera.
Los cortes rápidos y violentos de Sam Peckinpah en películas como The Wild Bunch y Cruz de Hierro aumentar la identificación visceral del espectador con hombres desgarrados y moribundos. El uso del montaje por parte de Eisenstein logró suspender las leyes del tiempo y la gravedad.
Los buenos directores se sienten cómodos con ambos estilos. Las películas que utilizan con eficacia tanto el montaje como las tomas largas incluyen The Black Stallion de Carroll Ballard. y Apocalipsis ahora de Francis Coppola.
Los buenos directores también suelen ser económicos. No hay metraje en exceso; cada toma es tan larga como debe ser e importante para la historia. Las obras menores se ven empañadas por descaradas persecuciones de autos, peleas, diálogos sin sentido, escenas de sexo superfluas.
Dispara hasta que hayas cruzado la punta y luego corta.
Dentro y fuera
Un corte es una toma de algo aparte de la acción principal pero relacionada con ella. Al fotografiar un picnic familiar, una toma de hormigas desfilando serviría como corte.
Cada escena ofrece oportunidades para cortes. Un corte agrega interés y detalle, y es útil en la edición para cubrir una edición donde la acción no coincide.
Un corte, como un corte, es un breve primer plano de una persona u objeto lejos de la acción principal. La diferencia es que un corte es parte de la acción, mientras que un corte no lo es.
Suponga que está fotografiando a una persona que está moldeando una escultura. Toma un primer plano de las manos y el objeto, ya sea mientras grabas la acción principal o como una toma separada para editarla más tarde. Con cortes, le brinda a la audiencia una mirada más cercana al centro de interés.
Las tomas de corte agregan variedad y son útiles durante la edición. Se puede usar un corte al acortar una escena. El corte de primer plano puede cubrir lo que sería una edición incómoda entre dos tomas similares.
Una toma de enfoque en bastidor , a veces llamado pull focus, es una toma con dos objetos en el encuadre a diferentes distancias de la cámara. Concéntrese primero en uno y luego cambie el enfoque al segundo objeto. Esto cambia la atención de un tema a otro.
El enfoque en rack solo funcionará cuando se tomen fotografías con poca profundidad de campo. Dispare con su lente en la posición de teleobjetivo y use un F-stop bajo. Debe haber una diferencia sustancial en la distancia entre los dos objetos.
Otra forma de llamar la atención del espectador sobre un tema es utilizar un swish pan. desplazarse lo más rápido que pueda hacia un objeto. Practique con anticipación para mantener el sujeto bien enmarcado. Para que la toma sea efectiva, la panorámica debe realizarse tan rápido que las imágenes se vean borrosas.
Carroll Ballard usa con eficacia una sartén cuando el joven Alec se cae del transatlántico que se hunde en The Black Stallion. El cementerio busca oro en El bueno, el feo y el malo contiene una bandeja giratoria extendida.
También se puede utilizar un movimiento panorámico como transición entre escenas. Por ejemplo, suponga que está filmando un recorrido turístico por una ciudad. Swish pans como transiciones entre ubicaciones proporcionaría una sensación de cambio sin la finalidad de un desvanecimiento.
No culpable
Al igual que en una novela o cuento, una película o programa de televisión tiene un punto de vista. A menudo es una perspectiva estrictamente objetiva y omnisciente donde la cámara observa la acción como un observador neutral.
El documental de Errol Morris La delgada línea azul se compone casi en su totalidad de entrevistas con personas involucradas en un caso de asesinato. Morris dramatiza diferentes versiones del asesinato, brindando varios tratamientos diferentes de los mismos eventos. No adopta un punto de vista cinematográfico, aunque es obvio para el público al final de la película que el acusado es inocente.
El Rashonzan de Kurosawa utiliza la misma técnica, aportando tres versiones diferentes de un presunto ataque y violación de una mujer. Al final de su película, nada es obvio.
Un director también puede optar por tomar el punto de vista de un personaje, mostrando frecuentes primeros planos seguidos de tomas desde la perspectiva del personaje. Gran parte del barrio chino de Roman Polanski se dispara de esta manera. De esta manera el director crea empatía por los personajes; la audiencia se identifica con las personas que brindan el punto de vista.
En Psicología, Hitchcock nos da el punto de vista de Janet Leigh, generando simpatía por ella. Cuando luego la mata, nos confunde y nos hace vulnerables a otras sorpresas. Al público de la época no le hizo gracia.
La mayoría de las películas combinan el punto de vista omnisciente y personal, y a veces ofrecen perspectivas de más de un personaje.
Soy una cámara
Por lo general, el objetivo del operador de cámara es realizar movimientos de cámara que sean invisibles para el espectador:fluidos, constantes y apropiados.
Hay, sin embargo, un caso en el que los operadores desean deliberadamente hacer que sus movimientos sean obvios. Llamada cámara subjetiva, esta técnica pretende convencer al espectador de que la cámara es una persona. Camina sobre una plataforma rodante, levanta o baja la cabeza inclinándose, observa una escena haciendo una panorámica y pierde el conocimiento al perder el foco o girar.
Dama en el lago fue filmada íntegramente desde un punto de vista subjetivo. La cámara representó al personaje principal a lo largo de la película. El público nunca lo ve, solo las reacciones hacia él:una mujer que se inclina hacia la lente para besar, por ejemplo. El efecto es muy extraño.
Pasaje Oscuro Inicialmente usa la misma técnica, antes de que el personaje principal se someta a una cirugía plástica para convertirse en Humphrey Bogart.
En Robocop se utiliza una larga secuencia de cámara subjetiva cuando el policía se transforma en un robot. Vemos personas mirando a la lente como si estuvieran mirando su rostro. Esta secuencia nos introduce en lo que más adelante en la película se convierte en un tema importante:aunque el hombre está muerto, transformado en máquina, sus recuerdos emocionales permanecen.
La mayoría de las películas utilizan con moderación la cámara subjetiva mezclada con otros puntos de vista. Stanley Kubrick usa la cámara subjetiva de manera efectiva para los momentos clave del viaje del astronauta en 2001:Una odisea del espacio. En Un cuento de Navidad la cámara subjetiva dramatiza las temerosas expectativas del pequeño Ralphie mientras asciende por la larga rampa que conduce a un cínico y exhausto Papá Noel de una tienda por departamentos.
Desapareciendo
Las transiciones son puntuación visual, los medios para pasar de un plano a otro. Las transiciones primarias son cortar, disolver, y desvanecerse . El corte, donde termina un plano y comienza el siguiente sin superposición, es el más utilizado.
Una disolución es cuando dos tomas se superponen, una se desvanece a medida que la otra se desvanece. Las disoluciónes se utilizan a menudo para indicar saltos en tiempo y lugar. En La colección de animales de cristal las luces disueltas y difusas sirven para diferenciar los monólogos sobre el pasado de los recuerdos dramatizados.
Robert Altman enfrentó un desafío similar en Come Back to the 5 &Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, donde la acción corta del presente a 20 años en el pasado. Altman reflejó las escenas anteriores en un gran espejo y se disolvió en ellas.
Un director talentoso también puede usar la disolución para indicar características compartidas. Toque del mal contiene un hermoso ejemplo de disolución que no solo indica un salto en el espacio, sino que también enfatiza la confusión emocional similar de dos personajes aparentemente dispares.
En un desvanecimiento, una imagen pasa del o al negro, lo que indica un comienzo o un final definidos. Un desvanecimiento indica finalidad y se utiliza mejor como final de una secuencia. Apocalipsis ahora se reduce a la mitad por un desvanecimiento extraordinariamente largo. Sigue el asesinato repentino y casual de Willard de una mujer vietnamita gravemente herida, y nos da tiempo para considerar nuestra opinión repentinamente revisada sobre su personaje.
Con un barrido, una imagen parece empujar a otra fuera de la pantalla. Las toallitas no siempre son laterales; pueden comenzar desde la parte superior, inferior, esquina o centro del marco. Un barrido es menos definitivo que un desvanecimiento y es apropiado para una serie de tomas que no muestran una acción continua, pero que están relacionadas de alguna manera.
En Los siete samuráis Kurosawa usa toallitas como el trabajo del samurái para reclutar a otros luchadores. Las tomas son similares en composición pero la acción no ocurre en el mismo tiempo o lugar.
Canción del rodaje
Una melodía se crea a partir de la relación de notas individuales. Asimismo, el significado de una película o programa de televisión se deriva de la relación de tomas.
La relación entre una serie de planos crea una secuencia. La escena de la ducha en Psicosis es parte de una secuencia que comienza con Norman Bates mirando a través de una mirilla en su oficina y termina con él hundiendo un auto cargado de cadáveres en el pantano.
Al rodar una secuencia, trata de construir una historia. En su nivel más simple, una historia tiene un principio, un medio y un final. Se vuelve más interesante si se introduce y resuelve el conflicto.
En una secuencia que muestra a los niños decorando un árbol de Navidad, comience con los primeros adornos del árbol. Dispare a los niños agregando más en el medio y termine con la estrella colocada con una floritura en la parte superior. Ahí, has creado una historia. Si el bebé se quita los adornos tan rápido como los niños mayores se los ponen, tiene un conflicto y una posible fuente de humor.
Al filmar una secuencia, primero elija un punto de vista. Luego comience con un plano de establecimiento. Mantenga sus tomas cortas, no más de lo que le toma a la audiencia captar la acción. Varíe las distancias y los ángulos de sus tiros. Utiliza planos medios y primeros planos. Evite usar el zoom; concentrarse en una serie de tomas individuales.
Las técnicas mencionadas aquí son aquellas que los profesionales pasan vidas tratando de perfeccionar. No esperes dominarlos en tu próxima sesión.
Pero prueba uno la próxima vez que salgas y sigue intentándolo hasta que lo hagas bien. Cuando hayas dominado esa técnica, prueba con otra. Síguelo. Pronto estará disparando como un profesional.