10 consejos de fotografía escénica (para imágenes hermosas)

Tal vez sea el momento de ingresar a una nueva etapa en su viaje fotográfico:la fotografía escénica, donde captura a los artistas en el escenario en conciertos, obras de teatro, recitales de danza y más.

Este género combina algunas de las habilidades de la fotografía de estudio, el retrato e incluso la fotografía deportiva. Cuando la luz es a menudo tenue y la acción rápida, tendrá el desafío de hacer tomas nítidas y necesitará comprender bien los controles de su cámara. La fotografía escénica pondrá a prueba tus habilidades, pero cuando consigues una gran toma, los resultados pueden ser muy. gratificante.

Veamos diez consejos para ayudarlo a lograr ese rendimiento de comando.

1. Obtener permiso

Aquí hay una cosa clave que debe recordar cuando está filmando una actuación en el escenario:el espectáculo está en el escenario. Tú no eres el espectáculo. Si su presencia interrumpe a los artistas, distrae a la audiencia o llama la atención de otra manera, no solo está molestando, sino que corre el riesgo de que lo echen. E incluso si eso no sucede, es poco probable que lo inviten de nuevo y que a otros fotógrafos se les prohíba la participación en futuras exposiciones.

No seas ese tipo.

Es una mala idea presentarse en una actuación con una cámara de aspecto profesional y lentes largos sin permiso previo. Es posible que no se le permita entrar y, si lo está, se le podría pedir que deje atrás su costoso equipo. Si de alguna manera te deslizas adentro y te atrapan más tarde, habrá una escena desagradable. Y si de alguna manera grabas todo el programa y luego quieres publicar tus fotos, corres el riesgo de que te demanden porque no tenías los derechos para hacer fotos... lo cual es... bueno... no entremos ahí.

Una vez más, no seas ese tipo, punto.

2. Sé un "ninja de la foto"

Cuando haces fotografía escénica, tu lema debe ser "interrupción mínima". Aquí hay algunas cosas que puede hacer para obtener sus tomas mientras permanece invisible para los artistas y el público.

• Vístase con ropa oscura. Debido a que las luces de la sala generalmente estarán apagadas durante una presentación en el escenario, usar ropa oscura lo ayudará a esconderse en las sombras y ser menos notorio.
• Sé sigiloso y silencioso. Apague todas las distracciones de la cámara, incluidos los pitidos, las luces y quizás incluso la pantalla LCD trasera. Si su cámara tiene un modo de obturador silencioso, utilícelo. Si debe chimpanear sus tomas, hágalo entre actos y de manera que su pantalla no sea visible para la audiencia o los artistas. no párate entre el público y la actuación, incluso si eso te da el mejor ángulo.
• Nunca utilice flash a menos que haya obtenido el permiso previo del director de escena de antemano.
• Grabar el ensayo general cuando sea posible. Suponiendo que puedas hacerlo, esta es la mejor opción. Sin una audiencia, tendrá mucha más libertad para moverse, encontrar buenos ángulos, tal vez usar el flash si verifica primero y, a veces, obtener múltiples "tomas" de la misma escena, baile o número musical. Los conciertos pueden ser la excepción a esta regla, ya que la dinámica de los artistas y la reacción de la audiencia a una presentación en vivo faltarán en un ensayo general y eso generalmente se muestra en las tomas. En su mayor parte, sin embargo, filmar un ensayo general ampliará en gran medida lo que puede hacer.

3. Conoce el espectáculo

Como con cualquier tipo de fotografía de acción, saber lo que va a pasar de antemano te ayudará a anticiparte y obtener las mejores tomas. Lee el programa, habla con el director de escena, conoce la trama de la obra y haz todo lo que puedas para conocer y planificar mejor tus tomas.

4. Haga una "inspección del sitio"

Si es posible, acérquese antes al teatro o recinto donde se realizará el evento. Toma tu cámara y encuentra los mejores puntos panorámicos.

¿Puedes disparar desde esos puntos y seguir sin causar interrupciones? ¿Hay varios lugares desde los que puedes disparar y puedes moverte de uno a otro sin llamar la atención? ¿Qué tan largo o ancho necesitará una lente para obtener buenas tomas desde esos lugares? ¿Podría haber alguien allí para mostrarle la iluminación antes del espectáculo para que pueda tener una idea de lo que encontrará?

Si no puede estar en el lugar con anticipación, al menos llegue lo antes posible el día de la presentación. Hacerlo mientras el espectáculo ya está en marcha casi siempre tendrá un impacto negativo en la calidad de tus tomas.

5. Lleva el equipo adecuado

Los dos mayores desafíos en la fotografía escénica suelen ser:

1. Acercándose lo suficiente
2. Tener suficiente luz para trabajar

Y llevar el equipo adecuado puede ayudar. Una cámara que ofrezca un gran rendimiento en condiciones de poca luz con un ruido mínimo será su mejor opción. Una lente rápida f/2.8 también marca la diferencia.

Hago fotografías de Canon, y los dos lentes que uso normalmente cuando hago fotografía de escenario son el zoom Canon EF 24-105 mm f/4L IS y el zoom Canon EF 70-200 mm f/2.8L IS. Ha habido muchos casos en los que he deseado un zoom de 100-400 mm.

Tus necesidades de longitud focal estarán dictadas por tu distancia desde el escenario. Más cerca es casi siempre mejor, y si puedes estar junto al escenario (y no violar la regla de "interrupción mínima"), casi siempre es lo mejor.

También debo dirigirme a los lectores que podrían ser padres que asisten a la obra de teatro, recital de danza u otras representaciones teatrales de sus hijos. Es probable que lleve una cámara de apuntar y disparar sin lentes intercambiables y disparar desde cualquier lugar del cine donde se encuentre su asiento. No hay nada de malo en eso. Con suerte, su cámara tiene un buen zoom óptico y no demasiado retraso del obturador. Llegue temprano y siéntese en la primera fila si puede. Si no necesita sentarse en su asiento de teatro, tal vez pueda encontrar un mejor lugar para disparar y ser menos notorio.

Obtenga lo que pueda de este artículo y, lo que es más importante, sea lo más discreto posible al capturar sus fotos. Sé que querrás ponerte de pie cuando el pequeño Johnny suba al escenario con su lindo disfraz de personaje, y es posible que te olvides de apagar el flash y cegar a todos con un estallido de luz en el teatro a oscuras. Mi simple consejo:no seas ese padre. Con suerte, un profesional disparará desde el costado. Busca a esa persona y dale tu correo electrónico. Si eres amable con ellos, es muy probable que te envíen una foto estelar de Johnny.

6. Utilice la configuración y la técnica adecuadas

Ya mencioné que una de las cosas más desafiantes en la fotografía escénica es trabajar con poca luz (especialmente cuando se trata de acción). También es probable que dispares con la computadora de mano. Mantener una velocidad de obturación lo suficientemente rápida en condiciones de poca luz requerirá que abras la apertura (teniendo en cuenta la profundidad de campo), aumentes el ISO (teniendo en cuenta los niveles de ruido) o ambas cosas.

La siguiente configuración de la cámara funciona bien para mí en la mayoría de los casos, aunque deberá realizar ajustes dependiendo principalmente de la cantidad de luz con la que tenga que trabajar. No es inusual que las luces cambien de muy brillantes a muy tenues a medida que cambia la escena, el actor camina hacia una parte diferente del escenario o (en un concierto de rock) las luces se encienden y apagan mientras cambian de color. Por lo tanto, considera estos escenarios fotográficos como punto de partida.

• Modo de prioridad de apertura – (Av en Canon, A en Nikon, varía en otras cámaras). Por lo general, deseará que su apertura sea lo más abierta posible sin dejar de obtener la profundidad de campo adecuada.
• ISO automático – Deje que el ISO “flote” para hacer frente a varios cambios de iluminación. Si encuentra que su ISO se mantiene prácticamente igual durante el rendimiento, puede configurarlo en ese punto, pero siempre tratando de mantenerlo lo más bajo posible. Aprenda cuándo su cámara produce un ruido inaceptable y establezca los límites superiores de Auto ISO justo por debajo de ese valor. Si no hace esto, más adelante podría descubrir que la ISO fue mucho más alto (¡y que todos tus disparos son muy ruidosos!).
• En Prioridad de apertura, su velocidad de obturación también flotará. La cantidad de acción en el escenario, la distancia focal de la lente que está utilizando y la velocidad necesaria para congelar la acción dictarán lo que es aceptable. En una obra en la que los actores están quietos y hablando, es posible que se salga con la suya con 1/30 si tiene una lente con estabilización de imagen o estabilización de imagen en el cuerpo en la cámara. Si está fotografiando bailarines de ballet dando vueltas y saltando y quiere congelarlos, es posible que necesite 1/500 o más para hacer el trabajo. Averigua si tu cámara te permite establecer una velocidad de obturación mínima cuando usas Prioridad de apertura.
• Modo de enfoque – Esto nuevamente dependerá de la cantidad de acción con la que estés lidiando. Si la acción es lenta, el enfoque de un solo disparo está bien. (¡Recuerde apagar el pitido de bloqueo de enfoque!). Si debe realizar un seguimiento de un movimiento más rápido, el enfoque continuo puede ser de gran ayuda. Las cámaras más nuevas pueden tener un enfoque de seguimiento ocular, que puede funcionar muy bien, excepto cuando varias personas están actuando y muy cerca. Luego, el enfoque automático puede confundirse sobre a qué persona enfocar. Aprenda los modos de enfoque de su cámara para que pueda elegir lo que es mejor para la situación dada.
• Medición – Esto dependerá de la iluminación que encuentre. Por lo general, me atengo a la medición evaluativa completa, y la cámara hace un trabajo bastante bueno. A veces, sin embargo, cuando el artista puede estar muy iluminado por un foco y el fondo es muy oscuro, la cámara puede ser engañada y el artista quedará sobreexpuesto. En esos casos, la medición ponderada al centro o incluso la medición puntual pueden ser una mejor opción.
• Guardarlo en Memoria – A menudo almaceno diferentes configuraciones de la cámara en cada uno de los modos de memoria de mi cámara (C1, C2, C3), por lo que puedo cambiar rápidamente configuraciones complejas con solo girar un dial cuando cambia la situación.

7. La composición siempre es clave

Como en toda fotografía, la composición es el rey. Utilizar buenas prácticas de composición; recuerda la regla de los tercios, las líneas principales, la regla de las probabilidades, etc. Y recuerda revisar tus bordes en busca de elementos que distraigan.

Realice tomas amplias que muestren todo el escenario, luego realice tomas intermedias y cercanas que resalten a un actor o intérprete. Acérquese a las expresiones faciales para capturar las emociones del artista. No pases por alto realmente primeros planos de detalles como los zapatos de un bailarín de ballet "en punta" o las manos de un guitarrista de rock realmente "aplastando su hacha".

8. Trabaja con la luz

La iluminación del escenario puede ser complicada, especialmente cuando intenta fotografiar con buena precisión de color. Varios tipos de iluminación tendrán diferentes temperaturas Kelvin. El estado de ánimo a menudo se crea con geles de color y otros controles de color de iluminación.

A veces querrá intentar corregir estos cambios de color, a veces querrá capturar la escena lo más cerca posible del color original (es decir, un tinte azul profundo diseñado para simular una escena nocturna). Y otras veces, es posible que desee realzar el color o llevarlo en una dirección diferente.

Ahora, hay un elemento clave que le dará el control creativo que necesita:

¡Dispara en formato RAW! Hay muchas razones por las que debería disparar en RAW, pero la fotografía de escenario podría estar en la parte superior de la lista. Durante el rodaje, no quiere estar ajustando el balance de blancos o tratando de adivinar qué podría ser mejor. Disparar en RAW significa que los ajustes de balance de blancos se pueden guardar para editarlos más adelante. Por lo general, dejo la configuración de Balance de blancos en Automático y la descarto mientras fotografío. Más tarde, al editar, puedo ajustarlo como quiera. Si se realizó una serie de disparos bajo las mismas condiciones de iluminación, puedo ajustar el primer disparo, seleccionar todos los disparos posteriores y sincronizar el balance de blancos con ese primer disparo ajustado. ¡Bazinga!

Hay una cosa a tener en cuenta aquí:no confíe en la pantalla LCD para juzgar el balance de blancos. Siempre mostrará una imagen JPEG con la selección de balance de blancos de la cámara y, dado que disparará en RAW, puede realizar cambios drásticos después.

Por ejemplo, en un teatro la iluminación del escenario era muy cálida. Puse la cámara en balance de blancos de tungsteno para que la reproducción en la pantalla LCD se viera mejor, pero aun así disparé en RAW. Más tarde, al editar, la configuración de tungsteno dio mejores tonos de piel, así que la usé como punto de partida. Sin embargo, si no hubiera funcionado, podría haber editado mi balance de blancos para obtener un resultado completamente diferente.

Una vez, un amigo me reemplazó en una ceremonia de graduación en el escenario de un teatro. Luego me enviaron las imágenes para editarlas y vi que habían filmado toda la ceremonia en JPEG. ¡Arghh! El teatro tenía iluminación mixta, algo de tungsteno, algo de fluorescente. Las imágenes JPEG tenían muy poco potencial de ajuste y los tonos de piel eran horribles. Incluso pensé en convertir todo el conjunto a blanco y negro.

9. Cuenta la historia

No sé si cada imagen cuenta una historia, pero al fotografiar una obra de teatro, un recital de danza, una actuación o un concierto, definitivamente hay una historia en el escenario. Es tu trabajo como fotógrafo contar esa historia con tus fotos. Estos son algunos consejos que le ayudarán:

• Conoce la historia – Si asistes a una obra de teatro, conoce la trama de antemano. Lo mismo ocurre con un baile. Casi todo el ballet se construye alrededor de una historia. Los números de danza moderna generalmente están diseñados para evocar un significado y un estado de ánimo. Un guitarrista de rock evocará un estado de ánimo con su música y la letra de la canción puede contar una historia. ¿Cómo puedes resaltar esas historias en tus fotos? ¿Al capturar expresiones, movimiento, acción máxima?
• ¿Congelar o difuminar? – No es necesario congelar todo el movimiento. Dejar que las personas en movimiento se desenfoquen puede aumentar la sensación de acción en una escena.
• El estado de ánimo de la luz – Los buenos fotógrafos aprenden a “ver la luz” y saben cómo su color, dirección, suavidad, aspereza y otras propiedades afectan el estado de ánimo y la historia. Los buenos diseñadores de iluminación teatral también lo saben, y trabajan arduamente para iluminar escenas para evocar el estado de ánimo adecuado y mejorar la historia. A diferencia de una sesión de fotos de estudio en la que usted, como fotógrafo, puede configurar las luces, al fotografiar una presentación en el escenario, trabajará con las opciones de iluminación de otra persona. Presta mucha atención a lo que han hecho e intenta capturarlo en tus imágenes.

10. Mejora con una buena edición

En los días de la película, después de un rodaje, todo lo que tenía eran los negativos sin procesar. Hubo muchos pasos antes de que pudiera ver su imagen como una impresión terminada y muchas oportunidades para realizar ajustes creativos en el camino. Hoy, con las cámaras digitales, simplemente hacemos clic en el obturador y podemos ver inmediatamente el resultado en una pantalla LCD.

Mi opinión es que demasiados fotógrafos están contentos con la imagen directa de la cámara (SOOC); después de ese clic inicial, creen que su trabajo está hecho. Muchos instructores de fotografía capacitados predicarán la importancia de "hacerlo bien frente a la cámara" y expresarán una clara aversión por tener que pasar tiempo detrás de la pantalla de una computadora.

Como habrás adivinado, me burlo de esta gente. Ansel Adams no filmó digitalmente, pero creo que su cita es digna de consideración:

Mi creencia personal es que no terminas con una imagen hasta que la terminas, y eso incluye la edición. Esto puede ser especialmente cierto cuando se toman fotografías de representaciones teatrales. No tendrá el control de la escena que se desarrolla ante usted, tendrá opciones limitadas para cambiar su punto de vista o perspectiva, trabajará con la iluminación de otra persona que a menudo cambia rápidamente, la escena puede estar poco iluminada y tendrá dificultades para hacer malabarismos con la velocidad de obturación, la profundidad de campo y el ruido de la cámara. Tampoco hay repeticiones. Si la toma no es todo lo que podría ser, la edición puede ser la solución. Incluso si se trata de una toma SOOC muy buena, ¿alguna edición podría mejorarla aún más?

(Tomaste RAW, ¿verdad? Así que no me digas que no editas; tienes que hacer al menos algo edición con una imagen Raw.)

Está bien, apagaré la diatriba. Baste decir que, personalmente, creo que editar tus imágenes de fotografía de escenario es casi obligatorio si quieres que brillen.

Consejos de fotografía escénica:palabras finales

¿Cómo podría escribir un artículo sobre fotografía escénica y no incluir una cita célebre de este tipo? Puede que hayas oído hablar de él:

En esta obra que llamamos vida , has sido elegido para el papel del fotógrafo. Ahora ve a expandir tus talentos y habilidades. ¡Sostén un espejo frente a los otros jugadores con el medio de la fotografía de escenario!

Preguntas frecuentes sobre fotografía escénica

El espectáculo está en el escenario. Tu no el espectáculo. Si usted es una distracción para los artistas o el público, no es bienvenido, puede que lo echen, ciertamente no lo invitarán a regresar y probablemente evitará que se pida a otros fotógrafos que fotografíen actuaciones. Consigue buenas tomas, pero sé discreto.

Acercándose lo suficiente. Trabajar con luz tenue y que cambia con frecuencia. Una lente larga o un buen punto de vista pueden ayudar con el primero. Una lente rápida (es decir, f/2.8 o más rápida) y una cámara con un buen rendimiento con poca luz pueden ayudar con esto último.

Conozca la historia. Cuenta la historia. Sepa de qué se trata la obra de teatro, el baile, la actuación, la canción o lo que sea que esté fotografiando. Trabaja para capturar esa historia en tus imágenes.

Esto variará según la iluminación, el tipo de espectáculo, la cantidad de acción en el escenario y otros factores, pero para empezar:prioridad de apertura (Av, A), ISO automático (con un límite superior), enfoque continuo/servo, evaluativo medición (aunque ponderada al centro o incluso puntual en ciertas situaciones).

Dispara siempre en formato RAW y prepárate para editar tus tomas. Un archivo RAW le permitirá ajustar el balance de blancos después de la toma, abrirá sus posibilidades creativas, permitirá rescatar imágenes sobreexpuestas y subexpuestas y lo ayudará a lidiar mejor con el ruido de la imagen.